博物館裡的藝術解說

 

博物館裡的藝術解說

 

 

一、    前言

博物館是每個城市的重要資產，參訪博物館是旅遊活動的重要一環。但是許多人，慕名前往博物館，耗費了寶貴的旅遊時間與精力，卻不是都有很好的收穫。如何鑒賞博物館的收藏? 如何擴展我們的知識? 如何引導他人也能鑒賞博物館收藏? 都值得我們深思。

歐洲語系的博物館(Museum)，起源於拉丁文，意思是古希臘神話主管藝術與科學的繆斯女神神殿。把藝術品與科學知識收藏在神殿裡，供所有人共同學習。倫敦大英博物館、巴黎羅浮宮、紐約大都會博物館、中國的故宮博物院等等，每年都吸引數百萬人參訪。世界各國與各個城市都設置了許多博物館，總數達到五萬餘座。目的是為了保存該國、該城市的歷史文物，提供本國與他國的人們都能分享先人遺留下來的科技知識與藝術，促進彼此相互理解。

近代許多國家進入了現代社會體制，將過去的王室的珍寶收藏、考古發掘成果成立了公共博物館。也有些民間富商將私人收藏設置了公共博物館。這些博物館大小規模不一，收藏主題與性質也各有不同。大致可分為國家博物館、歷史博物館、自然史博物館、科學博物館、藝術博物館(美術館)、專題博物館(農業、民俗、工藝、航太、海洋等)。博物館有文物收藏、展示、教育、研究等諸多功能。

現代資訊傳播技術發達，古埃及木乃伊、文藝復興時期畫作、中國歷代陶瓷工藝，都可輕易的在書店印刷品上、在電腦網路上、在手機上觀賞圖片。但是博物館收藏的是唯一實物真品，與觀眾的距離更近。觀眾更能直接從不同角度觀賞文物的細節紋理，更深入受到藝術品創作者的情感傳達，印證書本上的知識。雖然人類文明才發展了數千年，但是全球各地的藝術文化特色交流頻繁，文明交互激蕩。2019年有15億旅遊人次，參訪博物館，增長見聞，獲取旅遊樂趣，博物館的事業正也走入高峰。

因此，諸君往後的城市旅遊活動，切莫錯失了參訪博物館項目，也要掌握方法取得更多的鑒賞收穫。博物館經營者、旅遊相關業者也都要發展博物館展品的解說體系，發揮「繆斯(Museum)殿堂」的真正功能。

二、    什麼是藝術?

What is Art?，網路上搜尋可找到數百篇文章，數千種說法。Art與Artificiate有相同字源，都是人工的、人為的意思，由人類創作的刻畫、組合才是藝術。貝殼、蝴蝶、蜜蜂巢等天然圖案與型態，雖然也符合人類觀賞的形式、色彩美感體驗，但是非由人類創造，無從達到情感傳達的藝術目的。

新石器時代的史前人類就留下許多洞穴壁畫，當時的洞穴之外也可能留下大量的創作，但是只有洞穴畫能保存至今。歐洲音樂也是中世紀開始才有音符紀錄方法，文藝復興以後才有大量的木板油畫、帆布油畫能保存。中國早期的繪畫也多散失，除了現代考古墓葬發掘與石窟佛教藝術，較多留傳下來的繪畫大多為唐宋以後的創作，繪畫史的論述也是自唐代以後較為清晰。為有陶瓷，數千年來，不僅作為生活器皿，數量種類多也易於世代保存，也是隨著科技進程、社會人文而不斷演變，串連出中國藝術史的時間軸。由這些藝術品，我們可以理解到當時的化學、工藝技術與美學偏好。

許多人對於藝術也都有類似的疑惑，孩童塗鴨與藝術創作之間如何區分? 也有些人對於抽象畫作、行為藝術等莫名其妙，或者排斥。藝術的界線到底在哪裡? 這些問題沒有答案，如同每個人都可以用文字表達自己的想法，小學生寫作文與大學生寫作文，表達能力不同，生活經驗與思考層次不同。可能只有少數人能成為作家、文學家，得到當代很多人的認同。只有更稀少的文學作品能經得起時間考驗，千百年後仍能流傳。比如莊子逍遙游、蘇東坡赤壁賦、李白的詩歌等，歷經千年仍是人們的思想資產。

繪畫或雕刻藝術也是一樣，美不美無從爭議，也不須爭議。搞怪特異的創作，可能短暫引起人們好奇，但是與大多數商品廣告一般，不管嫌惡或歡喜，轉眼即忘。但是達芬奇、米開朗基羅的創作，不寫名子，仍能得到跨時空地域、跨社會階層的喜愛。

藝術創造是人類的本能，表達和諧、平衡、節奏、想像力、對環境的描述、事物象徵的符號化。藝術提供溝通、娛樂、社會儀式、宣傳等多種功能。美，涉及藝術、哲學和品味的本質和欣賞。美學是任何藝術探索的核心。在實踐中，審美判斷是指對物體的感官沉思或欣賞，而藝術判斷是指對藝術作品的認可、欣賞或批評。但是審美體驗雖然涉及個人的主觀，但也是人類普遍的本能判斷。比如，我們的學校教育或書本上，沒有指定過蝴蝶、貝殼美，蜘蛛、蚯蚓不美，但是貝殼曾經作為古老的貨幣，未曾入學的孩童也喜歡花朵與蝴蝶。

哲學家康得認為，科學和藝術的區別在於，科學代表知識領域，藝術代表美與情感表達的自由領域。哲學家海德格爾(Heidegger)書寫了”藝術的起源The Origin of the Work of Art “這本書，深刻影響了後世藝術哲學的研究，具有方法論上的意義。即使我們不去深究藝術哲學，我們仍能以開放的心靈，自在的體驗自己喜愛的詩歌、音樂與繪畫。

 

藝術的種類

藝術種類非常多樣，使用線條、顏色、質地、聲音、形狀、運動、空間、時間等相對組合，都可以創造藝術，或令人愉悅，或傳達情感。從前有人將藝術分為八大類，繪畫、雕塑、音樂、戲劇、舞蹈、工藝、文學、建築。現代社會與科技更多元，比如影視、廣告、動畫、造園景觀設計等，八大類顯然不再能涵括藝術類別。音樂、戲劇、舞蹈、相聲、說書等，常被歸類為表演藝術，它們必須一群人在固定場所鑒賞。繪畫、雕塑、工藝，可歸類為形式藝術，它們可長時間保存收藏，可以放在博物館中被鑒賞。雖然現代科技可以複製或大量傳播表演藝術與形式藝術的影像，但是在音樂廳、劇場、博物館中鑒賞原創、原貌還是不可替代的體驗。

有些藝術除了視覺形式美，還有生活實用功能，比如建築、傢俱、容器、紡織品等。甚至宗教建築、空間還可引導、表達精神上的崇仰、圖征功能。

藝術與文明

東亞的中國，西隔青藏高原，北隔大漠，東到海，數千年來與其他文明交流不多。歐洲也是，西方人寫歷史或藝術史，大多僅關切埃及、希臘、古羅馬、文藝復興，總認為那就是世界。其實，阿拉伯文明、波斯中亞、印度、東亞文明與藝術都曾經輝煌燦爛超越歐洲，甚至印加、瑪雅等也擁有豐富且令人讚歎的文明與藝術創造。

在歐洲中世紀的拜占庭和中世紀藝術中，很多藝術都側重於對聖經和宗教文化主題的表達，並使用高拱、垂直空間表現對宗教的崇仰。文藝復興以後的藝術大幅增加了對物質世界的寫實描繪，以及人類在其中的位置，並發展了一種系統的圖形透視方法來描繪三維的空間與物體。

阿拉伯文明中，伊斯蘭藝術對肖像畫的排斥導致強調幾何圖案、書法和建築。印度和西藏強調彩塑和舞蹈，而宗教繪畫借鑒了雕塑概念，使用鮮明的對比色，強調輪廓與線條。在東亞文化圈，文化思想也影響著藝術風格和形式，展現了豐富的藝術形式，尤其青銅、陶瓷、書法、工藝等保存最為豐富。

三、    博物館的類別?

博物館的目的是收集、保存、解說和展示歷史文物，供公眾學習和教育。從訪客或城市的角度來看，這個目的也可以增進外地遊客本國或本地的歷史文化，促進彼此瞭解。也可以共同鑒賞藝術、科學創作。旅遊活動造訪當地的博物館可能是一種有趣和啟發性的活動。對城市來說，活躍的博物館事業可能是衡量城市文化或經濟健康狀況的標準，也是提高居民素質的一種方式。

博物館有許多種類型，有些代表國家形象的，有些是地方的，私人搜藏捐獻的。自然史博物館以生物標本、化石為主要搜藏，科學博物館，以科學、航太為主題，生態博物館展示特定地區的自然人文風貌。戲曲博物館、民俗博物館、音樂博物館、考古博物館、歷史博物館、特定主題、特色產業博物館等等，各有其地域性與專題性。更細分還有地質、軍事、海洋、船舶、交通、社區、醫療、兒童、服飾、動漫、事件或人物紀念館、植物園、動物園、古跡建築、影音、虛擬數位等等。

雖然解說博物館藏品的目的一直存在爭議，但為後代保護和保存文物的使命始終如一。在保存工作中投入了大量的精力、專業知識和費用，以推遲老化檔、文物、藝術品和建築物的分解。所有博物館都展示對文化很重要的物品。親眼目睹文物本身，是最真實深刻的體驗。

不是所有的博物館都能搜藏珍貴的藝術品或有很充裕的經費進行文物保護，有些博物館的經營目的更重視教育推廣。比如地方型的博物館搜集不珍貴的各種礦物或動植物標本，各種民俗或產業主題文物，目的是組織系統性的教育資源，傳播知識，也進行一般性的保存。

人類對於環境事物的感知，雖然以視覺為主，但是觸覺、聽覺、嗅覺、味覺也是感知的重要方法。有些博物館是互動的，不禁止觸摸，提供聆聽，觀察的顯微鏡、活的標本箱，甚至提供品嘗體驗，鼓勵更多訪客自己動手發現知識的趣味。

許多城市都有美術館，也是博物館的類型之一，但是一般城市美術館，較多展覽當代藝術家作品。但是有些世界知名的藝術搜藏博物館，搜藏數萬至數十萬件繪畫、雕刻、工藝文物藝術品，是人類文明累積的共同遺產。最值得旅遊參訪。

Ÿ   巴黎羅浮宮博物館Louvre

Ÿ   倫敦大英博物館British Museum

Ÿ   倫敦國家藝廊National Gallery

Ÿ   紐約大都會博物館Metropolitan Museum

Ÿ   臺北故宮博物院National Palace Museum

Ÿ   梵蒂岡博物館Vatican Museums

Ÿ   馬德里普拉多博物館Museo del Prado

Ÿ   聖彼德堡冬宮博物館State Hermitage Museum

Ÿ   華盛頓國家藝廊National Gallery of Art

Ÿ   巴黎奧德賽美術館Musée d'Orsay

Ÿ   莫斯科克里姆林宮博物館Kremlin Museums

Ÿ   阿姆斯特丹國家博物館Rijksmuseum

Ÿ   馬德里索菲亞藝術中心Reina Sofía Madrid

Ÿ   佛羅倫斯烏菲茲博物館Le Gallerie degli UffiziItaly

Ÿ   佛羅倫斯學院美術館Accademia di Belle Arti

Ÿ   東京國立博物館Tokyo National Museum

Ÿ   東京西洋美術館National Museum of Western Art

Ÿ   巴黎龐畢度藝術中心Centre Pompidou

Ÿ   倫敦泰德現代美術館Tate Modern Art Museum

Ÿ   紐約現代藝術博物館MOMA

四、    如何能深入瞭解藝術?

花朵、貝殼每個人都喜歡，可見得欣賞美，很大一部分是與生俱來的，每個人都差不多。但是深入理解達畫作或藝術創作的意義，跟個人的學習經驗有關。寫過幾年毛筆字的人，很容易辨別書法的好壞，更能夠看出宋徽宗瘦金體的優美。欣賞藝術不需要每個人都去學油畫、水墨畫、雕刻、樂器，但是多接觸，多搜集相關知識當然更有助於理解閱讀藝術。比如李白、杜甫、白居易、李商隱的詩，風格截然不同。如果我們知道了這幾位詩人的時代背景、人生際遇、個人性格與抱負，就不難理解為何他們會寫出那樣的詩作。繪畫、陶瓷等工藝也是如此，與當時的文化交流、宗教影響、社會風氣、科技創新都有關係。以下數項有助於瞭解或鑒賞藝術：

1.         閱讀藝術史，理解藝術作品的時間軸，知道創作者當時的環境背景。社會繁榮或衰敗、動亂或安逸、封閉或自由、宗教或政治影響，都會表現在當時的藝術形式上。

2.         參考藝術家的傳記，個人的性格與情感，都會反映在他們的創作上。

3.         瞭解視覺表達語言。視覺接受的主要元素：色彩、明暗、線條、形狀、形式、紋理和空間。藝術創作者常用這些元素來組合，表達他們的想法。組合表達方式包括平衡、統一、對比、和諧、多樣性、運動、節奏、隱喻和比例等。觀賞一幅畫或雕塑，我們可以依照以上的組合表達語言分析，有助於瞭解或鑒賞藝術品。

當然，不見得每個人對同樣一幅畫的分析都相同；至少，我們更近一層瞭解到藝術家創作的想法。理解一幅畫，也不需要對於專家的藝術講評照單全收。掌握我們自己觀看藝術品的內心感受，參考多方面相關知識，綜合理解，才是藝術鑒賞的最大收穫。又如同五位瞎子摸象，各有各的理解；但是每位瞎子都環繞著象的身體持續的摸，並且互相溝通討論，總能更多的拼湊出象的樣貌。

視覺表達元素

色彩 Colors：

陽光在大氣圈裡照耀，經過萬物的吸收光波與折射光波，經由眼睛接收呈現出各種色彩。色彩三要素，色調Hue，飽和度Saturation、Chroma和明暗度Vaule。色調(色相)只是色彩的名稱，例如紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫，都是不同的光波長呈現。飽和度是指色彩的濃度或純度的值。最飽和的顏色是其真實形式的顏色-或未改變的顏色。明暗值是指色調的明度或暗度，在電視或手機螢幕上可以增加或減少光的亮度改變色彩，在繪畫或印刷品上增加白色或黑色顏料來改變色彩。三要素的變動，可以表現千萬種色彩。

明暗 Vaule：

明暗不僅決定了個別色彩的呈現，也是整體視覺上的重要組成。我們觀看一個物體或畫面，很容易將整體視覺接收二分為亮部與暗部，也很容易找到視覺畫面中的最亮點與最暗點。其他部分分別介於不同的中間值，使整個視覺畫面呈現三維立體樣貌；如果完全沒有了中間值部分，即呈現了高反差的非黑即白，失去了視覺上的立體感。明暗也是黑暗與光明的隱喻，經常來表達正面的與負面的人、事、物。

線條 Line：

物體的輪廓呈現線條，物體的明暗與材質邊緣也呈現線條，可能是直線，也可能是曲線，可能是粗線、細線、虛線。空間中多個物體的位置排列，也可能形成無形的線條或軸線，比如消失線、透視線、天際線。線條可以創造形式、安定感、引導關注點、切割塊面。可以表達強烈、虛弱、粗曠、細緻，是藝術表達的重要元素。

造型與形狀 From, Shape：

我們稱地形、建築物或物體外觀為造型(Form)，它們是實體的三維立體樣貌。二維平面的幾何形：矩形、三角形、圓形等稱為形狀(Shape)。似乎容易混淆，但是造型是三維的，長、寬、高之外，還有深度。造型與形狀可以用來在視覺藝術上表達無窮的事物與故事。平面繪畫上可表達空間感或多個方向的形狀(立體派畫作)，立體創作上也可以呈現不同方向觀看到二維形狀。

紋理(質感)Texture：

同樣的灰色，我們可以辨別它是混凝土、是砂石、是紡織品、是紙張，因為紋理不同。紋理就是物體凹凸不平的光線折射後的明暗呈現。前述的輪廓線條與外觀造型也是明暗折射，但是紋理的明暗折射有連續的、有規則的重複。比如經緯交叉的紡織品，麻布、棉布與絲緞都是“紋理”呈現。從幼兒開始，我們就開始觀察、觸摸各種物質，大腦記憶不斷的儲存千萬種物質的紋理資料庫，因此一眼就能辨認各種物體的性質。達芬奇與米開朗基羅的大理石雕塑，以千年不壞的灰白色石塊，卻能表達人體肌肉、柔軟衣物、金屬鐵圈的質感，因為他們充分掌握了紋理的視覺傳達技能。

空間 Space：

空間是虛的，卻有形狀。蜂巢孔、房間、街道、山谷、天空都有空間形狀。我們觀看風景，有近景、中景、遠景，因為距離不同，呈現紋理、輪廓的細緻或模糊，讓我們感知到自己的位置，與環境的關係。空間直接影響了我們情緒，教堂的垂直空間，讓我們增強了對上帝的崇敬。中軸線逐漸升高的空間，讓我們增強了對權威的服從。深坑向下的空間、封閉的空間都讓我們有不同的感受。中國水墨畫中常空出大塊的留白，表達人在與宇宙中的主客從屬關係與自由心情。

視覺組合原則

視覺藝術就是形式美學，即客觀事物的外在形式。人類感知事物，視覺、聽覺、觸覺最為直接，色彩、明暗、線條、形狀、形式、紋理、空間、聲音是基本元素，各自具有屬性。形式美是藝術表現的方法也是目的。

視覺元素的組合、分割、排列就具有更深層的意義，整體(統一)、變化(多樣)、強調(突顯、對比)、和諧(規律)、節奏(韻律)、對稱、主從、比例等，都可由人類操縱組合，即為視覺藝術的表達。

藝術模仿自然，取自環境中的視覺元素組合成刺激我們的大腦，傳達訊息。我們可以觀察或分析這些組合元素去理解藝術作品。組合的的原則是平衡、統一、強調、和諧、多樣性、運動、節奏和比例。

平衡 Balance

平衡是視覺接收後，依據大腦經驗分析後的感受。比如常見的山體，山頂間，底部寬，我們的經驗，它是穩固的。如果如張家界的山，上部窄、下部窄，它是奇特的，而且險峻的。如果上部寬大、下部窄小，它不僅奇特，而且是不平衡的。如果平地街道上，一側是成排高樓，一側是低矮小屋，我們也會感覺不平衡。平衡就是物體的適當配置，不僅是左右、上下平衡，圓心放射，心理上也需求平衡。比如植物的分支、花瓣序列，都是等距、螺旋方向生長(徑向平衡)，序列中間有缺口，也感到不平衡。

統一 Unity

統一指視覺接收影像的整體外觀，如一片山林都是綠色植物覆蓋，我們稱之為統一。如果有幾片地因砍伐或崩塌或露天挖掘，像個癩痢頭，就失去了統一性。統一性相當於完整性，也是一種平衡意義，只是相對的形容。畫面中許多元素各不相同，但是大小類似，或間距相當。或顏色、紋理相近，也是一種統一。統一通常以和諧的方式進行，展示每個元素互相協同，使視覺接收感覺完整。

強調 Emphasis

我們觀察一個人，會關注她的臉部五官，她的眼睛。女子化妝會加深眉毛、眼睫毛，將嘴唇塗上鮮豔色，就是“強調”，吸引注意力。強調也相當於加強對比，比如在一幅畫面中，樹林、草地、背景輪廓都是柔軟的，如何突出、強調一座教堂或人物？可以讓建築物的棱角更鮮明，牆面或人物的衣著更明亮，甚至不依正常比例，讓建築物或人顯得更大，與畫作的其餘部分相比，更引人注目。有助於畫面的敘事、傳達意念。

和諧 Harmony

和諧是指不同的視覺元素組合，但是個體之間有相似性，或是色彩、明暗、形狀、大小、排列有其規律性。比如背景都是峰巒層迭，斜屋頂的房子會比平屋頂的房子更顯得和諧。背景都是綠樹與草地，木竹磚石造的房子將比混凝土、鐵皮造的房子更和諧。視覺畫面上可能不是山林與房屋，但是視覺元素的重複、漸變，也能創造和諧。

對稱 Symmetry

自然界的植物與動物很多顯示對稱的形式，脊椎動物的外觀左右對稱，花朵放射狀圓點對稱，螺類外殼有離心的發射螺旋對稱對稱，形態上有自然、安定、均勻、協調、規律的美感。對稱也常被用於人為環境的視覺建構。中國的都城或宮殿都講求中軸與對稱，但是門口的石獅子或門神又不完全左右相同，運用時避免絕對的對稱而產生單調、刻板，在整體對稱的格局中加入一些不對稱的因素，能增加生動性。

多樣性 Variety

多樣性也是多變化的意思，水果攤上，五顏六色的蔬菜水果擺在一起就是多樣性。但是多種水果與磚塊石頭、塑膠瓶罐擺在一起就不是令人愉悅的多樣性，而是垃圾堆。秋天的山林樹木，綠、黃、紅、褐，體現季節的變化，比夏天的一片綠，冬天的一片枯褐或白雪覆蓋，那一個更令人愉悅，更吸引人。多樣性是通過元素的差異和變化來實現的，可以吸引觀眾注意力，展現不一樣的體驗，還必須達成某個程度的和諧或同質性(統一性)。顏色、形體、材質、比例等多重的多樣性，使視覺接收畫面更顯得豐富。或說是統一中有變化，變化中有統一，過與不及，都可能弄巧成拙，如何適當的拿捏，要看創作者的智慧。

運動 Movement

在眼睛持續的觀察中，色彩、明暗、形體、紋理建立主要視覺印象，另一個重要元素就是移動的感知(察覺)。比如樹上的飛鳥、移動的車船，我們在移動的車船中往外觀看，或是觀看電影，視覺接收畫面(場景)持續的變換，訊息接收量更大，感受更為強烈。這些都是“運動”的視覺刺激。即使是靜止的繪畫、雕塑也可表達運動感，比如逐漸變大的圓點，運動中的人物肢體，都會與我們的腦中的經驗資料庫結合、演繹想像。

節奏 Rhythm

當物體元素在時間、空間中重複或強弱時，就會產生節奏。音樂的節奏很容易理解，音節或鼓聲的落點時間間隔就是節奏，鼓聲有快、慢、強、弱，動人心弦。視覺藝術也能表現節奏(韻律)，以類似的元素重複出現，如同音樂的旋律，

比例 Proportion

視覺比例來自我們的生活經驗，正常人頭部與身體的比例為1比7，肩寬為身高的四分之一。如果有人手長過膝，或特別矮胖、瘦長，都會被認為不美。房間天花板高3米，讓人產生安定感，神殿或教堂的大空間讓人感覺渺小與敬畏。文藝復興晚期出現的矯飾主義風格，由瘦長、不合比例、誇大的風格、不平衡的姿勢來描繪人體和動物，以此產生強烈的戲劇化張力。

比例表現原則，涉及與作品整體和彼此相關的某些元素。是一種相對比較關係，其中某些元素可以強調其他形狀，或者突顯主題。希臘古建築曾經應用到黃金分割比例1：1.618。把一根線段分為長短不等的a、b兩段，使其中長線段a對總長(a+b)的比，其比值為0.618。這種比例在造型上比較悅目，廣泛地套用於建築、設計、繪畫等各方面的表現。最適合的比例有一種諧調的美感，成為形式美的法則之一。

評論藝術

詩歌、文學與戲劇可能是最容易理解的，因為訊息量足夠多，我們本身也有足夠多的基礎文字學習或生活經驗比照。但是繪畫與雕刻、工藝，創作者花費很久的時間與心力去完成，就單一視覺視覺接收的畫面中，創作者要表達的是甚麼？如何去理解？

觀賞者在觀看藝術創作時需要一定的思想框架，以便夠瞭解如何觀看藝術作品。該模型將說明您在查看圖像時進行區分的同時發展分析思維。使用您的感官知覺，您將能夠發展出更豐富的藝術思想和圖像感。

我們可以凝視一幅畫，設法分析它的感官屬性。包括顏色、明暗、線條、形態、紋理和空間的元素。例如，您看到什麼顏色？你看到任何線條嗎？圖片中是否有深或淺的空間？是深色還是亮色？圖片中有什麼樣的形狀？紋理明顯嗎？它是什麼紋理，光滑，粗糙？為每個元素提出這些類型的問題。

然後，它們是如合組合？例如，這是通過設計原則來觀察藝術品的組織方式。一些原則包括平衡、統一、強調、和諧、多樣性、運動、節奏和比例。比如，圖片是否平衡？是什麼讓它保持平衡？強調什麼或主要關注什麼？有節奏嗎？什麼元素賦予它節奏？是否有重複的形狀？什麼會說明這件作品？那邊需要顏色嗎？你有沒有看到任何運動，如果是這樣，它在哪裡存在？是什麼讓它運動？這張照片中有什麼東西會分散你的注意力嗎？能夠以不同的方式問自己關於每種設計原則的問題。

接下來，提出自己對作品的解釋。您認為該作品的整體感覺或情緒是什麼(又稱為表現力屬性)？例如，這是一項表達悲傷還是快樂的作品？藝術家可能想告訴我們什麼？是大膽還是膽怯，是平和的還是混亂？它是否讓你想起了一些特別的東西？當你看著它時，它會讓你感覺如何？塔它送給你，你是否將它掛在你的房子裡，經常看它？

藝術表達的三種方式

(1)         模仿(人事地物)：

遠古的新石器時代就有模仿的洞穴繪畫，將牛、馬的形象模仿繪製下來。人類天生有欣賞美的能力，也能模仿現實世界的事物將它們複製下來，為了自己長時間留存，或者與別人分享。比如清明上河圖，模仿與敘述當時汴京的城市風貌，市井生活。或者繪製人物肖像或田園、山水、花鳥等不同主題。

(2)         表達情感：

創作者試圖向觀賞者傳達情感情緒，比如以現實世界間最美好的事物描繪天堂；最可怕的事物描繪地獄，影響觀賞者的情緒。或者表達耶穌受難的坦然心境、聖母悲傷哀悼的情境。

(3)         形式語言：

傳統的畫家用山、水、樹、屋、舟、橋、雲、月等佈局，營造一個美與心境，同時畫中的線條、明暗、色彩、形狀、平衡、強調、主從、變化、三角等形式語言也在表達敘事，企圖引導觀賞者的情緒，導向一個關切主題或一個事件焦點。現代的畫家試圖將現實世界以符號、象徵來表達，直接以線條、形狀、色塊組合傳達意念，也就是抽象藝術。

評論作品的四個步驟

(1)              描述：直觀地描述您在作品中看到的內容。盡可能客觀與中立的角度。僅使用感官屬性來獲取視覺畫面中訊息。識別所有線條、形狀、顏色，紋理、明暗等。描述出來，只是陳述它而沒有意見。

(2)              分析：觀察視覺元素的組合關係，它們是否有整體性？變化在哪裡？是否豐富多樣性？要強調甚麼？突顯？對比最強的地方？是否表達和諧？哪裡有規律性？是否了節奏或韻律？是否隱含了對稱？主從關係？物體或空間的比例讓我們想到甚麼？

(3)              解讀：說出您對它的看法，您認為它要表達什麼？傳達甚麼訊息？當時的時空環境如何影響它？它有何意義？您的心情感受？試著描述或形容出來？解讀只是個人的想法，每個人看法可能不同。

(4)              評斷：現在由您評斷這個作品是成功還是失敗的，那裡的表現最好？那裡最差？整體來看，可以給幾分(由1至10分)？

五、    藝術需要解說嗎?

有些人認為，觀賞花朵，它們美不美，各人心裡都能感受到，不用解說或理論分析。這個觀點被稱為孤立說( isolationism)，根據這種觀點，瞭解藝術家的生平、歷史背景和其他因素與欣賞藝術作品無關，而且通常是有害的，因為它會妨礙，傾向於用對這些事實的敘述來代替更困難的嘗試來掌握藝術作品本身。如果藝術作品在初次相識時沒有被理解，則應該一遍又一遍地閱讀它。不斷地重新接觸它，讓接受者全神貫注並被它滲透，是獲得最大欣賞的途徑。

另一種說法，語境說(contextualism)認為藝術應該瞭解它的創作背景。藝術品創作的時空與我們觀賞的時候不同，如果同時瞭解創作者的心境、環境、社會影響，更能參透作品的內涵，從作品上收穫更多。

藝術圈裡，贊同語境說的人們似乎更多一些，語境說的論述者認為：

1.  將同一對創作者的其他作品進行搜集比較。觀賞更多同一人的作品，更加瞭解他的一貫風格或各個時期的風格，對單一作品更能深入體會。比如畢卡索有他的藍色時期、粉紅色時期、黑人時期、晚期，更多的瞭解，能辨別該作品是 “見山是山或不是山”的創作期。

2.  將其他藝術家的同一類型的作品進行比較，特別是同一風格或傳統的藝術作品。更能評斷單一作品的好壞、優缺點。

3.  對於創作當時科技或創作媒介的瞭解。例如唐三彩與白瓷、宋青瓷、明青花、清五彩或琺瑯掐絲。西洋繪畫從中世紀鑲嵌畫到木板蛋彩畫、帆布油彩畫發展至戶外寫生的印象派。都因為技術背景不同，而有不同的表現。熟悉創作者當時能運用的表達媒介與限制，更能理解作品。

4.  對創作者時代背景的瞭解。盛唐與晚唐的社會情境不同，很大的影響詩人的風格。18世紀後期歐洲革命的潮流促成了浪漫主義的興起。瞭解其創作背景，能更好的理解作品在訴說什麼。

5.  對創作者生平的研究。李白、杜甫、李商隱作品的不同，除了時代背景差異，還有人生際遇不同。瞭解梵谷與高更的生平，更能理解相同時代的兩人相愛相殺，性格與人生經歷回異，創作出完全不同的風格。

6.  對創作者意圖的研究。創作者在作品中表達的，可能是對自然的讚美、豐美物質的享樂、對權威的嘲諷、對宗教的崇仰、對社會的抗議、對情感欲望的解放、破除傳統約束等等。尤其是現代繪畫，野獸派、立體派、表現主義、達達、超現實等等，畫面上很多是符號化、多重視點、圖征，必須瞭解創作者意圖才能體會。

六、    如何在博物館裡解說藝術?

許多人都知道，博物館不是教室或演講廳，數千件文物或藝術品同時展示。人們分散且移動的觀賞不同作品，博物館必須保持安靜，甚至需要降低房間整體光線，只在個別作品上打燈，讓人們專注觀賞作品。

一般博物館會在展示品前放置一張字卡，說明展品編號、名稱、歷史年代、作家，與數十個字的簡略敘述。但是參觀者稍多，或者觀賞者關心程度不高，很不容易將字卡的文字看完。有些博物館會在一系列展品之前有一個展示品背景簡介牆面，以數百字或數張圖片或時間軸提綱解說。或者一個影視小空間，藉由十多分鐘的影片反復播放，解說這個專題展的時空背景、作者的生平、該系列的作品的特點，表達的意義。

有些較具規模、經費較寬裕的博物館會配合專題特展期間，舉辦演講，出版簡介折頁、專書圖冊、紀念品等，可以進一步的推廣解說專題展重點作品的內容。但是這些都受到解說的限制，字卡、簡介信息量傳播限制、受眾人群限制，而且是單向傳播，達不到雙向交流的效果。

部分博物館會準備解說耳機與點選盒，訪客只需跟館方租借耳機配戴，在博物館中按選特定展覽品編號，耳機中將自動撥放該展品的解說。內容可以更詳盡，而且可依訪客的興趣自由點選、掌控時間、調整語音速度。

許多博物館都有解說人員或志願工作者，或由訪客團的導遊引導解說，在參觀人數少時，可以十餘人一組帶領解說。但是館內人數多的時段，就會顯得混亂，或者不同團隊的解說互相干擾。部分博物館準備有團隊解說耳機，十餘人的同組訪客均配戴同一調頻的耳機，解說員或領隊導覽的麥克風低聲解說，只能傳達到該同組成員聽到，不致於干擾到其他參觀者。

新科技應用於博物館解說

近幾年來，QRcode二維碼應用更加方便，博物館可在展品名稱紙上加印二維碼，參觀的訪客以手機掃描二維碼，就可打開解說個別展示品的解說影音、文字網頁。不僅內容更為豐富，圖文並茂可達千餘字，某些關鍵字還可以進行另外的網址、網頁連結，比較國內外其他類似文物，追尋其根究，還可標記保存於手機內。手機連結雙向互動解說，不僅打破信息量的限制，也真正能做到「叩之小者則小鳴，叩之大者則大鳴」。

某些世界知名博物館，已經著手構建網路上的虛擬博物館，在家中電腦上網可以進入3D的虛擬博物館展覽廳，可以在館中如步行移動觀看展品，聽取解說。免費、不擁擠、不受時間限制。但是親往實體博物館觀看實物，還是旅遊的眾大樂趣，不僅近距離觀察真實作品的筆觸紋理，實地在展廳中面對作品的感動，沉思感受創作者的心境。

將來博物館還可進一步，將展品外觀特徵建立雲端資料庫，參觀訪客不需到展品前方掃描紙卡二維碼，只要在遠處，以手機掃描展覽品外觀，即可比對外觀特徵確認特定展品，開啟語音或圖片、影片解說。未來的3D虛擬解說，也是個發展方向，比如某博物館僅收藏及展示部分圓明園十二生肖獸首銅像，參觀者或戴上虛擬實境的眼鏡或不戴特殊眼鏡，就可以在展覽廳或個人手機上觀賞本館為收藏的其他生肖獸首3D虛擬影像。

雖然新科技能使博物館的藝術品解說邁向新里程，但是最傳統的人員解說，目前仍是人們最依賴、最偏好的解說方式。因為有活生生的解說員面對面的說故事與情感的互動，有問有答，趣味性遠非電子面板或機器人語音可比。

博物館的人員解說

博物館的解說員必須掌握有效的溝通技巧，事前做好充分的準備(藝術史知識、展覽主題的時空背景知識、藝術家生平、當時藝術潮流、相關藝術作品、旁徵博引)。解說員必須準備輔助工具(解說耳機系統、平板電腦或紙卡展示相關圖文、其他道具)。解說是一種教育活動，卻非教學活動，解說員引導參觀者關注某個展示品的特色，解說其背景、脈絡與意義。卻不需灌輸訊息。以說故事的方法，介紹一系列藝術展覽品，滿足受眾(參觀者)知的需求，不需要考校其成果。或者說「解說」是被動的訊息服務，我們僅初步、綱要、概略的介紹展示品，我們還必須引導一群參觀者的興趣與參觀流程。整個導覽活動就如同一個演出，參觀者發現興趣，我們再進行回答，旁徵博引，「叩之小者則小鳴」。除非是一對一的解說，否則不能只針對少數幾人的興趣，喋喋不休，忽略大部分參觀者的「沒興趣」。

根據心理學的說法，人們看見或聽見某個事物的訊息刺激，首先會進入短期記憶。如果大腦經驗認為它是有用的，即轉為長期記憶。將來遇到類似刺激或可以應用，將會喚起取回長期記憶，化為有用的資源。很多博物館的參觀者，對於特定展示品缺乏相關知識，導致「沒興趣」，於是把導覽者的解說當耳邊風，或轉耳即忘。這樣的解說當然是失敗的，等於沒有解說。如何達成有效的解說，關鍵在於導覽解說者是否提出「興趣點」，引發參觀者的好奇心。

沒有人會排斥聽故事，導覽解說者引導參觀者觀察一個實物，敘說它的時空背景、相關的故事(簡短的故事)，揭示它的意義和關係。導覽者可以提出個人的觀點、經驗或專家的觀點評述該作品，卻無需參觀者認同，參觀者可以有自己的觀點，或者「沒興趣」的權利。

如果參觀者群組有六成以上對該系列展覽品感到興趣，或有收穫，或納入長期記憶，或認同，或不認同，或提問，或爭辯，都將是成功的解說。

引發「興趣點」的方法

解說員的表達必須多次練習，每個人都可以成為解說員，儀容衣著端莊，但是態度盡可能輕鬆愉快(不輕眺)，將輕鬆愉快感染給參觀者群組的成員。吸引注意力的方法：

Ÿ   輕淺的刺激動作、聲調、運動…

Ÿ   提出該展覽品奇特的地方…

Ÿ   該展覽品背後的故事…

Ÿ   比喻相關的人事地物，引導聯想…

Ÿ   該展覽品的價值(金錢、信仰、美學、科學)…

Ÿ   該展覽品跟我們有關…

Ÿ   發生在解說員自身的經驗…

Ÿ   使用道具(圖板、顏色、物體)刺激記憶…

解說六原則

解說研究學者Freeman·Tilden 從他對國家公園解說的觀察中發展出來的六條指導原則。這些原則同樣適用於博物館的藝術解說。

1.任何解說，如果不能以某種方式將所展示或描述的內容與來訪者的個性或經歷聯繫起來，都是無效的。

2.資訊本身不是解說。解說是基於資訊的啟示。但它們是完全不同的東西。然而，所有的解說都包括資訊。

3.解說是一門綜合多種領域的藝術，無論呈現的材料是科學的、歷史的、還是美學的。任何藝術在某種程度上都是可以描述與引導的。

4.解說的主要目的不是指導，而是挑起興趣。

5.解說的目的應該是呈現一個整體而不是一個部分，並且必須面向整群人員，而不是少數個人。

6.針對兒童的解說不應只是簡化成人版的解說文稿，而應從兒童認知的角度，以適合兒童的方法引導、說故事。

 

七、    簡略西洋美術史

古埃及藝術

古埃及藝術約為西元前3000年至西元30年之間古埃及文明所創作的繪畫、雕塑、建築等藝術作品。現存的藝術作品大多是從陵墓和遺跡中發掘而來。某些陵墓、神廟、宮殿內部的牆上留有繪畫。好的石灰岩牆面可以直接作畫，而石頭牆面則用石灰粉刷，更粗糙的話用粗泥石膏打底後再刷上石膏底料後作畫。顏料主要選自礦物，可以抵擋強烈的日曬不褪色。在新王國時期及之後的時期，死者之書和人一起埋葬，它用來介紹人的來世。古埃及繪畫同時展示人或動物的正視圖和側視圖。

古埃及人使用了浮雕技術，使得雕塑在日光照射形成的陰影下輪廓清晰。雕塑有一個特色，就是人的站立姿勢是雙腳前後站著，這對雕塑的力量和平衡性起到了很好的作用。另一種常見的姿勢則是坐著。常出現在雕塑中的古埃及法老被認為是神，其他神則不怎麼常出現在大型雕塑中，而是在繪畫中出現得比較多。如阿布·辛拜勒神廟外的四尊拉美西斯二世雕像很有名。絕大多數雕塑都是在埃及神廟或陵墓中得以倖存的，大量的雕像以神、法老及他們的皇后的模樣建造。

古希臘時期

古希臘文明對歐洲人的影響很顯著，希臘人在藝術、科學、哲學等成就斐然，他們相信人類是是宇宙的中心，強調理性思維，熱愛自然界與人體，並認為它反映了宇宙的深層方式。他們也熱衷於美學，這可以反映在他們的人物雕塑中，雖然現實，但也很理想化。古希臘人另一個成就領域是建築。發展了柱式、神廟與黃金切割比例。

古希臘較珍貴的藝術形式是雕塑，非常注重細節和現實主義，某些東西被高度風格化，以表達他們對完美的熱愛。邁倫的Discobolus(Disc Thrower)創作於西元前450年左右，展示了一個真人大小的裸體男性準備投擲鐵餅，它展示了一個瞬間，運動即將發生，是藝術史上真正的突破。

古羅馬時期

羅馬共和國存在於西元前500年左右，他們的大部分藝術和建築都受到希臘人的啟發。然而，古羅馬雕塑比希臘的雕塑更逼真，記錄人類的真實面目。羅馬建築是一項巨大的成就，受到古希臘時期的啟發，重視建築的實用目的。羅馬競技場，於西元80年完工，拱門上有三行或三層，迄今仍屹立存在。

中世紀時期

羅馬帝國曾經橫跨西歐，北非，希臘和部分近東地區，帝國的內部問題最終導致它崩潰。中世紀時期大約為500-1500年。由於黑暗時期的文明後退，基督教佔領了絕對優勢，知識份子與中產階級很少，美術、音樂都圍繞著教堂、修道院、宗教信仰的內容，創作的目的是為了上帝，而不是為了他們自己。

東羅馬的拜占庭，另成一個藝術文化圈，君士坦丁堡的聖索菲亞大教堂。它始於326年至333年之間，是拉丁十字平面的一個例子，因為它從上面看它時就像一個十字架。馬賽克鑲嵌畫式該時期的主流。

文藝復興時期

1400年以後，義大利半島既為教皇所在地，商業繁榮，中產階級興起，人文主義和哲學理想逐漸傳播。仿古希臘、古羅馬風氣逐漸興起，喬托、達芬奇、米開朗基羅、拉菲爾開展了文藝復興時期的藝術興盛。

達芬奇創作了令人驚歎的人體圖和解剖結構素描。他不僅對自然感興趣，還完成了精彩的宗教作品。 《最後的晚餐》是一幅創作於1495-98年的壁畫，是文藝復興時期價值觀的一個例子。基督在壁畫的中心，顯示出一種和平的狀態，以及以他為中心的隱含的透視線。在桌子上圍繞著他的十二使徒表現出一陣情緒，因為他們剛剛發現其中一個會背叛基督。顯示逼真的人類情感和線性透視，這意味著當它們斜向背景時，顯示深度錯覺的線條。列奧納多·達·芬奇是一個真正的文藝復興時期的人，對詩歌，音樂，科學，數學等感興趣。

米開朗基羅與萊昂納多有著同樣的激情和動力，他的藝術作品是他個性的真實典範。他的天才表現在雕塑 《聖母憐子圖》(Pieta， 約1500年)，在那裡可以看到一個真人大小的聖母瑪利亞抱著被釘十字架的基督。她美麗而年輕的臉上充滿了深沉的感情，因為她俯視著基督的身體。大理石雕刻的現實主義令人驚歎，因為瑪麗的垂墜衣服以如此精確的細節看到，大理石看起來很柔軟。基督毫無生氣的身體以令人難以置信的關懷表現出來，很難想像有人怎麼能用石頭雕刻出這樣一個現實的傑作。米開朗基羅的另一個令人震驚的作品是西斯廷教堂的天花板。他仰面躺在一個高大的腳手架上，一直延伸到教堂的天花板上。它分為九個部分，展示了人類的故事。這些人物是超現實的，用光和影建模，以顯示他們的肌肉形態。他花了四年時間才完成，據說他只是下來睡覺;甚至食物也被帶給他。在那之後，他再也無法直立行走，因為他的背部因長時間畫畫而受損。米開朗基羅是一個被驅使、強烈、有時很容易被激怒的人。他的作品是我們從未見過的，他對藝術和完美的熱情永遠在歷史上留下了印記。

巴羅克時期

從1600年到1750年，巴羅克從文藝復興的晚期出現。文藝復興的經典和自然風格得以保留，但巴羅克風格添加了更豐富更繁複的色彩與線條。動作，時間，光線和空間是巴羅克時期的重要主題。

提香是威尼斯市的大師級畫家，他提供了從文藝復興時期到巴羅克式的轉變，他忽略細節和現實，對色彩和繪畫技巧的戲劇性構圖做出更多的表現。提香使用油畫顏料與帆布。油畫提供了更具戲劇性和大膽的色彩效果，藝術家可以創造出光澤和微妙的釉面層。提香的人物也充滿了情感和情緒，可以用豐富的色彩對比來創造。名畫《烏爾比諾的維納斯》描繪了一個斜倚的維納斯，一個年輕的美女，躺在畫布的前景中。值對比與數字的亮度與房間的深色背景形成對比。人物的圓度與背景中的幾何線性形狀形成鮮明對比，如牆壁和窗戶。這幅畫感覺柔和而充滿情緒，就像一隻小狗睡在她的腳下一樣。所有的顏色和紋理似乎都相互協調和平衡，這是以前從未做過的事情。

巴羅克時期的雕塑家非常注重創作主題。對於這些藝術家來說，情緒和強烈的激情以及充滿戲劇和張力具有巨大的價值。吉安洛倫佐·貝尼尼(Gianlorenzo Bernini)的雕塑祭壇《聖特蕾莎的狂喜》(The Ecstasy of St. Theresa)就是這種風格的的例子。它由大理石雕刻而成，上面有飄逸和漣漪的帷幔，被一位天使拜訪，天使用上帝的愛刺穿了她的心。由金色金屬棒製成的戲劇性金色光線流向兩個大理石人物的場景。天使拿著一支金色的箭，臉上掛著甜美的笑容，聖特蕾莎被情緒激動地超越了。貝尼尼展示了一個時刻，混合媒體(金色棒，窗戶的光線，大理石)和戲劇性和真實的運動。這個雕塑祭壇呈現出一種在藝術創作中從未見過的新形式。

卡拉瓦喬是巴羅克時期畫家，他不僅捕捉了時間上的戲劇性時刻，還捕捉了描繪其缺陷的現實人物。這種風格使他的繪畫看起來非常逼真，同時他極其戲劇性地使用了光與影的對比，稱為明暗對比。《聖保羅的皈依》(Conversion of St.Paul)完成於1601年，是一幅布面油畫，描繪了保羅從馬背上摔下來，並展示了他被甩下後的確切時刻。他的身影仰面躺著，被推到畫面平面上，伸出雙臂，展現當下的迷茫。馬  腳被抬起，被背景中的一個神秘人擋住。馬的身體佔據了大部分畫作，而逼真的細節是所有三個人物上的樣子。據說卡拉瓦喬使用了他在街上發現的模型，因為它們的準確性令人震驚的真實和苛刻。這幅畫由戲劇性的燈光和黑暗組成，是完整的近距離構圖元素。

義大利以外，西班牙，法國，英國和佛蘭德斯(荷蘭地區)，也都發展巴羅克風格的元素。例如，荷蘭畫家倫勃朗(Rembrandt van Rijn)用細緻的細節和金色的棕褐色色調描繪了內在情感。倫勃朗還畫了許多自畫像，在那裡他開始探索自己內心的情感和身份。還展示了光明和黑暗的戲劇性使用。倫勃朗使用了大量的油漆和暗示的厚筆觸。

巴羅克時期之後，藝術家形成了新古典主義和浪漫主義等風格。新古典主義是關於缺乏情感和強烈的線性形式，缺乏大膽的色彩。其目的是激勵公眾的道德。另一方面，浪漫主義尋求不同的方式用戲劇性的色彩來表達情感。有些藝術會描繪巴羅克風格，有些會更抽象，所以我們可以開始看到現代主義的暗示。

現實主義

現實主義者開始從根本上改變繪畫的方式。作為這場運動的一部分的藝術家現在希望描繪真實的主題，而不是像他們的前輩那樣在浪漫的意義上。他們把注意力更多地轉向顏料本身的媒介，把注意力轉移到繪畫的過程、媒介和畫布上。因此，物理特性被突出，這導致了印象派的暗示。 愛德華·馬內(Edouard Manet)努力在他的畫作中創造亮度，並展示真實光的美麗。他對油畫顏料的應用也完全不同，這是以更平坦，更廣泛的方式完成的。馬奈的《草地上的午餐會》(Luncheon on the Grass，約 1863 年)描繪了一場在樹林裡野餐的場景，有三個身影、兩個衣著的男人和一個裸體女人，背景是一個女人蹲著。當然，最大的問題是，當有兩個穿著衣服的男人在她旁邊互相交談時，為什麼女人是裸體的？這驚動了旁觀者，以及坐著的女人直接盯著觀眾的事實。巴黎的沙龍拒絕了這幅畫。馬奈對攻擊藝術中的傳統主題很感興趣，並最終與其他被拒絕的藝術家一起展出了他的作品。因此，藝術傳統的新思想開始在法國形成。

印象派

一群貧窮的年輕藝術家開始了一種將永遠從根本上改變藝術世界的風格。這個群體中的每個藝術家都因其主題和興趣而有所不同，但都希望看到藝術界的真正變化。他們對戶外繪畫感興趣，並捕捉光線和色彩的印象。他們的筆觸簡短，強烈 而有豐富色彩。他們對色彩的激進使用是開創性的。紅色和綠色與藍色和橙色並排放置。他們關注的是純色以及它與光的反應。通常，藍色和紫羅蘭色等顏色被用來陰影，而不是灰色和黑色。最著名的印象派畫家之一是·。他畫了教堂、乾草堆、睡蓮和自然界其他場景的外牆。他描繪了陽光的光輝以及它對自然界中物體的反應。開闊田野中的乾草堆被用來展示光的不同階段和周圍存在的鮮豔色彩。

另一位著名的印象派畫家是皮埃爾·奧古斯特·雷諾瓦。他描繪了生活和藹可親的一面，自然和人的歡樂場景。他的筆觸很鬆散，他的題材很開心。

 

愛德格·德加(Edgar Degas)熟練地描繪了人體形態。他也非常著迷於繪畫舞者和芭蕾舞。德加作品的不同之處在於，它受到了日本版畫的影響。這包括以平坦的方式描繪形式，並用隱含的線條或主題的外部線條將觀眾的眼睛引導到構圖周圍。德加的主題有時被切斷。構圖中，有些東西會被切斷，比如樹的一部分。德加之所以這樣做，是因為相機剛剛被發明出來，這對他和其他畫家產生了影響。

後印象派

現在，藝術運動繼續發展並相互反抗。就後印象派而言，他們正在反抗印象派畫家捕捉逃跑的光線和色彩的願望。然而，後印象派畫家的風格如此多樣，以至於很難按某些元素對運動進行分組。保羅·塞尚(Paul Cézanne)是一位經常被稱為“現代主義之父”的藝術家。他開始忽略空間，更多地關注構圖元素。在一幅名為《靜物與蘋果和柳橙》的畫作中，他沒有展示空間或深度的例子，而是將圖像平放在畫面平面上。桌子的頂部可以看到整個，看起來好像被推了上去，但所有的蘋果和柳橙都躺在上面。這樣做是為了讓觀眾可以更清楚地看到物體，這是不現實的，因為水果會從桌子上滾下來。塞尚還用扁平和塊狀的色彩描繪了他的主題。水果有深色的輪廓，並被塗上了更寬的筆觸。然而，儘管有這些不切實際的意象，這幅畫還是和諧的。這是因為從繪畫某種現實到重視設計項目的轉變。如果果實很多，並且沿著繪畫平衡，以某種節奏，它可以被視為美。

文森特梵古可能是現代藝術界最著名的人物。他飽受折磨的生活以及他精彩的畫作為他帶來了很多關注。此外，在他的一生中，他的藝術被忽視了，直到死後他才成名。梵古1889年繪製的《星夜》以漩渦狀的線條和大膽的藍色，黃色和綠色展示了夜空的戲劇性。寬而長的筆觸，以及較短的筆觸，填充了畫布，營造出運動和深沉的感覺。他的畫作充滿了情感，在對它做出反應時，為觀眾提供了更多的內在體驗。

保羅·高金是另一位突破性的藝術家。他也使用深邃，純淨的色彩來表達他的情感，並在他的繪畫中創造一種新的和諧。他的畫作《佈道後的願景》(Jacob Wresting with the Angel) 創作於1888年，是歷史上最早真正使用 非自然色彩和象徵意義的油畫之一。例如，在這幅畫中，高更是把地面或草地塗成了深磚紅色。這一勇敢的一步為藝術家們打開了一條通道，讓他們以象徵性的新方式使用色彩。我們將在抽象表現主義時期對此進行更多研究。

野獸派

野獸派藝術家，就像後印象派畫家一樣，使用大膽明亮的調色板和情感，富有表現力的筆觸。他們的作品受到波利尼西亞，非洲和其他文化藝術的啟發。最著名的野獸派是亨利·馬蒂斯(Henri Matisse)，他今天仍然廣受歡迎。他是一位藝術家，他的主要愛好是色彩和線條，正如他的畫作《紅色房間》(紅色和諧)中所見。 這幅畫是一個簡單的客廳，桌子上有一些水果和蠟燭。一個女人放下一籃水果，左邊有一扇窗戶，上面有一幅田園風光。然而，這是一個戲劇性和大膽的聲明，因為整個桌子和牆壁都被漆成深紅色，似乎彼此滲入。此外，有機的曲線形狀和水果籃在桌布和牆壁上重複出現，似乎從一個漂浮到另一個。馬蒂斯希望他的繪畫的樂趣像音樂交響樂一樣。他繼續從事藝術創作，即使他年老並住院。據說他有一個延長的畫筆，這樣當他太虛弱而無法坐起來時，他可以在天花板上畫畫和畫畫。

 

立體主義

巴勃羅·畢卡索(Pablo Picasso)是立體主義運動的頭目，這個名字受到世界各地人們的認可。立體主義是一種對放棄真實視角感興趣的運動，並希望以幾何方式展示形狀和形式。毫無疑問，塞尚的作品影響了這一運動，因為他開始放棄所有真實的透視，而是開始繪製本質上更具幾何感的形式。然而，畢卡索確實探索了立體主義以外的其他繪畫方法和風格。他的藍色時期是他決定用整體藍色色調繪製大部分畫布的時候。然後是他的玫瑰時期，依此類推。然而，在他的作品 Les Demoiselles d'Avignon( 約1907年)中，公眾看到了他的作品的巨大轉變。這幅畫是五個女性裸體， 但人物在風格上非常棱角分明，我們看到每個人物都有多個視圖。這幅畫也非常平坦，沒有空間的錯覺，背景充滿了棱角分明的形狀，以某種方式反映了人物的形狀。這項工作是立體主義的開端，它體現了該運動的價值觀。

 

達達主義和超現實主義

現在，我們開始看到藝術從對激進設計的興趣轉變為更概念化的思考方式。達達運動就是這樣，因為它是藝術，以一種對迄今為止所持有的所有信仰的反叛的方式來嘲笑藝術。這是歷史上一個曲折的時期，因為第一次世界大戰正在打響。 達達斯認為 ，在戰爭時期，藝術創作是沒有意義的。一個著名的例子是 馬塞爾·杜尚(Marcel Duchamp)的 噴泉(Fountain);一個真正的小便池被顛倒過來，然後放在畫廊裡。

超現實主義是戰後出現的一場運動。它在某種程度上受到達達主義荒謬性的影響，但也想表達無意識的思想和夢想(Fichner-Rathus，1986)。來自西班牙的藝術家薩爾瓦多·達利(Salvador Dali)是最知名的超現實主義者。他的畫作往往令人毛骨悚然，象徵著心靈的黑暗無意識。有些人認為他瘋了，因為他的生活也是一個奇怪的插曲。然而，儘管達利的作品中充滿了奇怪和怪誕的感覺，但他拒絕了所有這些瘋狂的主張，並可能利用這一點來進一步發展他在藝術界的職業生涯。

當代藝術

二十世紀以後，藝術世界的中心從巴黎轉移到紐約，隨之而來的是十幾個激進的藝術運動，充滿了狂熱。這個時期是從第二次世界大戰結束到近代的藝術。甚至可能有一些藝術家被討論，他們今天還活著！藝術家們現在以前所未有的方式自由嘗試材料和概念，並尋求無邊界的創作本能。這是一個藝術被製作時激起巨大陰謀和爭議的時代。這個時代目前仍在影響著今天的年輕藝術家。

抽象表現主義

在紐約，許多興趣在1900年代中期湧現出來。像禪宗佛教和日本藝術風格這樣的東西對藝術家來說是鼓舞人心的。超現實主義也沒有被遺忘，所以世界似乎更容易接近，這影響了所有藝術形式。抽象表現主義的特點是本體意象，大視野和自發的筆觸。像漢斯·霍夫曼(Hans Hofmann)這樣的藝術家實際上出生在巴伐利亞州，在此期間在紐約工作。他受到他之前的許多運動和藝術家的影響，如馬蒂斯和畢卡索。他的畫作是大塊顏色，大小和長度各不相同。明亮的藍色，黃色和橙色構成了他在《金牆》(1961)中的畫布。 他研究了色彩理論，並明白所有冷色在溫暖時都會消退。

顏色會向前推進。他想創造一種和諧與平衡的扁平彩色形狀。想想這與之前創建的任何東西有多麼大的不同。他的作品是非客觀的，因為它除了顏色和設計之外沒有任何主題。

傑克遜·波洛克(Jackson Pollock)是藝術界的另一個悲劇人物，最近通過好萊塢電影得到了普及。他最 出名的是 在他的畫布周圍“跳舞”，向四面八方輕拂顏料。運動和瘋狂的筆觸以及不受控制的結果成為他作品的主要主題。他滴水，飛濺，在他的畫布上到處刷。

Robert Motherwell，Mark Rothko和Barnett Newman都是藝術家，他們的興趣更多地是平坦和振動的色彩領域，而不是鬆散的筆觸。它被作為一種純粹的美的表達而提供，觀眾可以在巨大的色彩領域中放鬆身心。他們都有不同的繪畫方法，但每個人都對色彩的簡單性和力量進行了強烈的溝通。

波普藝術

這場當代藝術運動在其思想上確實是獨一無二的。“流行”一詞來自流行文化，在這裡，藝術家利用和使用來自商業來源的圖像。他們想挑戰觀眾對藝術和文化的概念，並展示文化最令人欽佩的日常形象。廣告和電影海報通常是這些藝術家的共同靈感來源，比如安迪·沃霍爾(Andy Warhol)著名的坎貝爾湯(Campbell』s Soups)和瑪麗蓮·夢露(Marilyn Monroe)的版畫。在他的《瑪麗蓮雙聯畫》中，它展示了五十幅左右的夢露肖像，一些肖像的一面部分被塗黑。 夢露的色彩明亮而誇張，它顯示了她的形象如何具有商業價值，而不是一個真實的人。

當代雕塑

亨利·摩爾(Henry Moore) 也許是當代最著名的 石頭雕塑家。他的抽象巨像讓人想起美洲原住民的藝術，以及巴勃羅·畢卡索的藝術。通常，他的人物是斜倚的，充滿了有機形狀，流動性很大(Fichner-Rathus，1986)。

亞歷山大·考爾德是現代史上另一位著名的雕塑家。他構思了手機，或一種懸掛在空中的移動雕塑。這些手機變得非常龐大，其存在感在觀眾上方翱翔，有時在空中超過90英尺。

另一位有影響力的雕塑家杜安·漢森(Duane Hanson)創造了像人物一樣的生活，有時可能會被誤認為是真實的人。他的技術非常精確，以至於他使用的聚酯樹脂 實際上類似於 真正的皮膚。漢森使用真實的衣服和配飾，這些方法 實際上使觀眾感到困惑 ，無法判斷它們是否真實(Fichner-Rathus，1986)。